Hsieh Teh-ching est un artiste taïwanais de renommée internationale, célèbre pour son extrême "One Year Performance Project", dont l'expérience de vie est elle-même un produit de la culture Est-Ouest. Né en 1950 dans le sud de Taïwan, Hsieh a commencé à étudier la peinture et la sculpture dans sa région, mais il n'y avait pas d'art comportemental d'avant-garde à Taïwan à cette époque. En 1974, à l'âge de 24 ans, Hsieh s'est rendu aux États-Unis en tant que membre de l'équipage d'un navire et a sauté du bateau lorsqu'il a accosté aux États-Unis, pour se rendre à New York, le centre de l'art contemporain, afin de commencer sa nouvelle vie. Au cours de ses premières années à New York, il a vécu la vie d'un immigrant clandestin, travaillant dans des restaurants et des usines tout en observant les mouvements de la scène artistique d'avant-garde new-yorkaise. C'est cette situation limite et cet impact culturel qui l'ont amené à développer un état d'esprit créatif basé sur l'idée que "la vie est un art", et à partir de 1978, Xie a commencé à mettre en œuvre une série de "One Year Performance Art" qui ont bouleversé le monde. Dans One Year Performance - Cage (1978-1979), il s'est enfermé dans une petite cage métallique pendant un an, sans parler au monde extérieur, en lisant, en regardant la télévision et en explorant les limites de son corps et du temps d'une manière claustrophobe. Cette pratique presque ascétique a le sens de la méditation orientale, et en même temps, elle est une subversion des formes habituelles du monde de l'art occidental. Dans l'œuvre suivante, One Year Performance - Punch Card (1980-1981), il a poinçonné la carte de pointage toutes les heures, jour après jour, pendant un an, et a finalement laissé des milliers de photographies de lui-même en train de poinçonner la carte de pointage, transformant le concept abstrait de "temps" en traces visibles de son travail. Une autolimitation aussi stricte reflète l'importance accordée à la résilience et à la culture dans la culture orientale, mais elle pose également un défi au public occidental : où se situe la frontière de l'art ? Des artistes occidentaux tels que Marina Abramovic ont salué Xie Deqing comme un "maître" dans ce domaine, affirmant que son travail constitue une référence pour l'art de la performance durable.

Dans ses projets ultérieurs, Tse a continué à explorer la proposition selon laquelle "la survie est un art" : One Year of Performance - Outdoors (1981-1982) l'a vu errer dans les rues pendant un an sans rentrer à l'intérieur, tandis que One Year of Performance - Art in the Air (1985-1986) a déclaré qu'il ne s'engagerait dans aucune activité artistique pendant un an, "ne pas faire" étant l'art en soi. One Year of Performance - Art in the Air (1985-1986) a déclaré qu'il ne s'engagerait dans aucune activité artistique pendant un an, et que "ne pas faire" lui-même était de l'art. La nature radicale de ces concepts découle de sa perspective unique en tant qu'immigrant de l'Est en marge de la société occidentale : il a physiquement remis en question la relation entre l'art et la vie, et entre les diktats de la civilisation occidentale et la liberté de l'individu. Il convient de mentionner qu'en 1983-1984, Tse a collaboré avec l'artiste américaine Linda Montano sur le projet One Year of Binding (Rope), dans lequel les deux ont vécu ensemble pendant un an sans se toucher sur une corde de huit pieds de long. Il s'agit de sa seule œuvre en collaboration, qui incarne l'échange interculturel - un dialogue entre un homme oriental et une femme occidentale, soumis à des restrictions égales, qui aboutit à une collision d'idées sur les relations intimes et les limites personnelles. À l'époque, les œuvres de Xie Deqing étaient pour la plupart silencieuses et peu connues. Cependant, après les années 1990, lorsqu'il est retourné à sa vie ordinaire après 13 ans de longs projets, la littérature de ses œuvres passées a été progressivement redécouverte et hautement évaluée par le monde de l'art ; en 2009, une exposition rétrospective à grande échelle au musée Guggenheim de New York a présenté ses cinq projets d'un an dans leur intégralité, faisant sensation ; et en 2017, une archive de ses œuvres a été exposée au pavillon taïwanais de la Biennale de Venise sous le titre Doing Time, mettant en évidence ses pensées sur le "temps" et l'importance du concept de "temps". En 2017, le pavillon taïwanais de la Biennale de Venise a présenté des archives de ses œuvres sous le titre "Doing Time", soulignant son interprétation unique du "temps". Dans ces expositions, le public occidental a pu se familiariser à nouveau avec cet artiste chinois réticent, en comprenant qu'il avait déjà préfiguré de nombreuses questions clés de l'art contemporain dans les années 1980 avec ses formes extrêmes. En utilisant l'histoire de sa propre vie comme matériau artistique, Tse intègre l'esprit du stoïcisme de l'Orient et l'accent mis par l'Occident sur les percées individuelles. Il a été salué comme un "artiste ascétique" dont les créations ont transcendé les barrières culturelles et ont eu un impact global sur les concepts et les comportements des générations futures. À travers Hsieh Teh-ching, nous voyons un artiste oriental pratiquer ses idéaux artistiques dans un pays étranger d'une manière presque fondamentaliste, ce qui conduit finalement à un dialogue approfondi entre les concepts artistiques orientaux et occidentaux.